ELISABET NATIVIDAD GUTIÉRREZ ALCALÁ.
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ENSAYO
ART BRUT, NEOEXPRESIONISMO O PINCELADAS DE LOCURA
Aunque Jean Dubuffet y Ralf Winkler, (conocido como A.R. Penck) son dos pintores distanciados en el tiempo por varias generaciones en el siglo XX, en realidad tienen ambos bastantes puntos en común como por ejemplo la estética existencialista, la
combinación del arte primitivo, (art brut) y el expresionismo, así como que ambos artistas fueron influenciados por el pintor Paul Klee (1879-1940) y por los efectos de la guerra.
Dubuffet y Penck perfilan el concepto de la locura a través de la representación de aquella persona psicótica, quizás esquizofrénica, marginal que está marcada por el trauma, cuyas alteraciones psíquicas eran registradas mediante unas distorsiones corporales que son muy evidentes en las obras de ambos artistas, por ejemplo, extremidades muy grandes y cuerpo pequeño o bien la cabeza representada muy grande en comparación con el resto del cuerpo.
Para entender mejor las obras de Dubuffet y Penck es preferible analizar brevemente sus biografías.
Jean Dubuffet nació el 31 de julio de 1901 en Le Havre (región de Normandia), Francia.
Recibió clases de arte durante su juventud y en 1918 se trasladó a París para estudiar en la Académie Julian (escuela de arte de París, fundada en 1868 por el pintor Rodolphe Julian, alternativa para los estudiantes de arte de la época a los cuales no se les permitía matricularse en la Escuela de Bellas artes de París), que posteriormente abandonó a los seis meses.
Allí, Dubuffet conoció a Raoul Dufy, Max Jacob, Fernand Léger y Suzanne Valadon y quedó muy impresionado con el libro de Hans Prinzhorn sobre el arte psicopático (relativo con la psicopatía o enfermedad parecida). Dubuffet viajó a Italia en 1923 y a América del Sur en 1924. Luego dejó la pintura durante diez años y trabajó como dibujante industrial para después dedicarse por entero al negocio vitivinícola familiar como una mejor opción. A partir de aquí Dubuffet decidió convertirse en artista en el año 1942. Celebró su primera gran exposición individual en la Galerie René Drouin de París en 1944, después la Galería Pierre Matisse de nuevo le ofreció su primera exposición individual en Nueva York (EEUU) en 1947. Se asoció con artistas como André Breton, Georges Limbour, Jean Paulhan y Charles Ratton, a partir de ese momento Dubuffet sintió que su estilo y temática tenían una deuda con el gran artista Paul Klee.
A partir de 1945, coleccionó Art Brut , obras espontáneas de personas no instruidas, como enfermos mentales, presos y niños, se trata de una forma de volver a las profundidades puras, pero no como un origen del arte, sino más bien como una nueva versión radical del genio romántico, libre de toda convención o normativa. Como hito importante, fundó la organización Compagnie de l’Art Brut (1948-1951) junto con escritores, críticos y marchantes de los círculos pertenecientes al dadaismo y surrealismo. Para la primera exposición pública de Art Brut en la Galerie René Drouin en 1949, Dubuffet publicó un manifiesto en el que proclamaba la superioridad del estilo sobre el arte oficialmente reconocido. De 1951 a 1952, Dubuffet vivió en Nueva York. Luego regresó a París,
donde tuvo lugar una exposición de toda su obra en el Cercle Volney en 1954. Después, realizó otra exposición en 1957 en el Museo Morsbroich, Leverkusen, Alemania Occidental. Posteriormente se realizaron exposiciones de Dubuffet en el Museo de Artes
Decorativas de París (1960-1961), en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en el Instituto de Arte de Chicago (1962), en el Palacio Grassi de Venecia (1964), en el Tate Gallery, en Londres y en el Stedelijk Museum, en Ámsterdam (1966), y en el Museo
Guggenheim (1966-1967).
Dubuffet aparte de estar relacionado con el Art Brut, se le relacionó íntimamente con el informalismo francés, como si fuera un acto psíquico, con un interés por los niveles más profundos y oscuros que provoca el inconsciente, dejando un gesto al pintar rápido y sin espacio para la razón que deja en la superficie del cuadro una pintura violenta.
También realizó esculturas monumentales al aire libre así como trabajos de accesorios teatrales llamados los «practicables». Dubuffet finalmente murió el 12 de mayo de 1985 en París.
En cambio, A. R. Penck, cuyo nombre real es Ralf Winkler, nació en Dresde en 1939. De niño quedó muy traumatizado por la destrucción de su ciudad durante las noches del 13 y 14 de febrero de 1945. Durante aquellos días se produjeron escenas de verdadero caos, que presenció y que se mantuvieron en la mente del artista durante toda su vida. En 1949, Penck (entonces todavía conocido como Winkler), a los 10 años de edad, comenzó a elaborar sus primeros cuadros y ambicionaba trabajar en el campo de la escultura.
El artista adoptó a A.R. Penck como apodo basado en el paleogeólogo de principios del siglo XX, Albrecht Penck, (estudioso
del periodo glacial) cuando la Seguridad del Estado de Alemania Oriental comenzó a confiscar sus obras durante la década de 1960. Penck se formó en la Alemania del Este, donde vivió hasta 1980. Penck formó parte de la generación de alemanes que vivió la
división del país entre Este y Oeste y la reunificación de ambos bloques a finales de los años ochenta. A diferencia de muchos otros artistas contemporáneos, que emigraron a Alemania Occidental durante la década de los sesenta, Penck desgraciadamente tuvo que quedarse en la zona comunista hasta el año 1980.
El artista nunca se definió como un pintor verdaderamente neoexpresionista, pero los críticos de arte si que le asociaron a
menudo con los “nuevos salvajes”, un término inventado por el historiador del arte Wolfgang Becker que engloba la obra de artistas alemanes como Georg Baselitz y Markus Lüpertz, y el retorno a la figuración en los años ochenta. Afortunadamente A.
R. Penck logró el reconocimiento internacional cuando aún vivía en el Este.
Se unió al grupo de artistas renegados (desertores o rebeldes) Erste Phalanx Nedserd, un colectivo politizado y libre de toda necesidad de compromiso artístico. Como consecuencia, los miembros del grupo fueron excluidos de las instituciones académicas o asociaciones artísticas tradicionales, como la Asociación de Artistas Visuales de la RDA. Debido a la
expulsión, los miembros del grupo se vieron obligados a ganarse la vida como artesanos.
Penck, por ejemplo, trabajó como dibujante de publicidad de 1955 a 1956, antes de solicitar sin éxito su inscripción en la Escuela Superior de Bellas Artes de Dresde y en la Universidad de las Artes de Berlín, en Berlín Oriental. Para llegar a fin de mes, Penck, trabajó como fogonero, cartero, envasador de margarina y vigilante nocturno. Nunca dio su idea por perdida y participó en un concurso para alumnos y asistentes en el ámbito de las artes gráficas, con la grata sorpresa de obtener el primer premio por sus grabados en madera (1956). Este reconocimiento marcó su entrada en la escena artística de Dresde, donde frecuentó la compañía de Peter Graf y Georg Baselitz, entre otros artistas. Mientras se levantaba el muro de Berlín en 1961, Penck pintó su primer Weltbild, experimentó con los autorretratos y con la abstracción.
En 1964, fundó su primer taller en solitario en Dresde, lo que coincidió con la producción de su primer Systembilder. En 1966, el artista (entonces llamado Winkler) se convirtió en candidato admisible para la Asociación de Artistas Visuales de la RDA, lo hizo bajo el seudónimo de A. R. Penck A partir de 1969, los conflictos con el Ministerio de Seguridad Estatal llevarían a la confiscación de sus obras y a su expulsión definitiva de la Asociación de Artistas Visuales. En 1972, Penck se trasladó a Lindenau, donde permanecería hasta 1975.
Bajo el nombre de Mike Hammer, llevó a cabo pinturas gestuales abstractas en blanco y negro. En 1975, el Berna Kunsthalle albergó la primera retrospectiva de Penck.
Al mismo tiempo, la Galería EP en Berlín organizó su primera muestra en Alemania oriental, una exposición dedicada a su obra anterior. En 1980, Penck se trasladó a Alemania occidental, cerca de Colonia, donde se convertiría en una de las principales referencias del neoexpresionismo alemán, produciendo obras muy intensas y vivas en las que se presentan figuras arquetípicas en formatos monumentales. Después del importante apogeo de su carrera a mediados de la década de 1980, el trabajo de Penck
cayó en desgracia durante varias décadas. A finales de la década de 2000, de nuevo la obra del artista comenzó a ser revalorizada como un legado integral a la historia del arte.
Falleció el de 2 de mayo de 2017 en Zúrich (Suiza).
En general, la obra de Penck se compone de símbolos gráficos que evocan la caligrafía, el grafiti y las pinturas rupestres, con el fin de tratar los temas de la comunicación y la relación entre el individuo y la sociedad en la que se integra. Se le considera un artista autodidacta, que además construyó su obra a partir de lecturas sobre temas de cibernética, ciencias del comportamiento y teoría de la información, además de textos filosóficos de Hegel y Kant entre otros. Combina en sus obras la abstracción simplificadora y el pensamiento analítico y, en un intento de reflejar las difíciles estructuras del mundo actual, crea entramados sociales y psicológicos de gran complejidad. Por tanto, en su inconfundible mezcla de lenguaje pictórico de signos y figuras se combina el expresionismo con el arte primitivo.
Se le considera un neoexpresionista alemán cuyas pinturas de figuras y símbolos hacen un guiño a expresionistas alemanes como Ernst Ludwig Kirchner y también al Art Brut, por tanto está íntimamente relacionado con Dubuffet.
Las obras Standart de Penck, que emplean un léxico de marcas pictográficas a las que el artista se refiere como “bloques de construcción”, son esenciales para comprender tanto su proceso como su ideología. Aunque a menudo se asocia con el trabajo basado en graffiti de Keith Haring y Jean-Michel Basquiat, su estilo surgió de forma independiente como respuesta a la censura de la República Democrática Alemana.
Un ejemplo de ese graffitismo lo podemos observar en la obra que proponemos T3 (R) de Penck realizada en 1982. Se trata de una pintura de arte figurativo con pictografía, de estilo neoprimitivista, con figura humana y forma totémica antropomórfica, simbólica.
Calificada como de estética antiarte, tiene una calidad excesivamente tosca y sencilla y plana en su representación así como monocromática. Esta pintura y en general su obra está influenciada por el trabajo de Paul Klee (al igual que la de Dubuffet) que también solía mezclar la llanura de la escritura egipcia o maya con la crudeza de las pinturas negras tardías de Jackson Pollock.
El mismo, se sentía un pintor abstracto frustrado e intentaba volver la mirada a las formas de arte primitiva, a las formas dominadas por el dibujo, por lo arcaico, es decir, un arte parecido al de la Edad de Piedra, al africano o al esquimal. Esta obra de Penck si la comparamos con la obra Voluntad de poder de Dubuffet comparten esa línea hacía el arte marginal, Arte Bruto absoluto o arte incivilizado (art autre, un arte diferente, es decir, un arte que es otro, expresión que surgió en 1952 por el crítico de arte francés Michel Tapie para juntar bajo un mismo estilo de arte a Wols, Jean Fautrier y Dubuffet así como otros imitadores, seguidores y artistas eclécticos expresionistas abstractos (como Penck) y neosurrealistas.
En Voluntad de poder se puede observar ese trazo punzante con la que Dubuffet ejecuta esta figura, en su impulso hacia el carácter degenerador del graffitti, que en realidad está invocando un verdadero ataque contra la buena forma del cuerpo entero tan habitual en el movimiento y también se puede apreciar esa obsesión-fijación del graffiti por los genitales, que también podemos mirar en el cuadro de Penck T3 pero en este caso los genitales están pintados de color blanco sobre fondo negro (y, por tanto, se replantea la idea de que el cuerpo ha quedado reducido a ser una mera parte-objeto y la aparente falta de comprensión que hay tras ella). En lo que se refiere a los temas y la elección de los materiales, Dubuffet, más que pintar, mancha, embadurna los cuadros con arena, carbón triturado, cal, barro, alquitrán, polvo de vidrio y de hierro, resinas, barnices y detritus, una materia que luego araña para dejar al descubierto figuras macabras, grafitis, deformaciones, paisajes de formas violadas y destruidas que parecían estar ya ahí, escondidas, implícitas, a la espera de ser reveladas.
Tal y como especifica Valeriano Bozal en su libro El tiempo del Estupor. La pintura europea tras la Segunda Guerra Mundial, efectivamente la guerra generó una serie de traumas y como no, también en las artes plásticas, pues los artistas buscaban una relación con el pasado, pues las vanguardias habían fracasado. En un nuevo intento de arte surgieron movimientos como
el expresionismo abstracto, siendo Jackson Pollock uno de sus máximos exponentes, el Art Brut, etc… un pequeño recordatorio a los campos de concentración y a Zoran Music y sus dibujos de cuerpos humanos y cadáveres apilados muy parecidos a los Desastres de la guerra de Goya.
También encontramos los retratos de Antonin Artaud de esos otros, con los rostros que no se ajustan a la realidad o esos cuerpos deformados del pintor Francis Bacon. En el excelente apartado que dedica al Art Brut, Valeriano Bozal lo interpreta como una alternativa al arte clásico oficial, creaciones marginales con manifestaciones grotescas, con toscos dibujos obscenos, aunque también matiza que muchas de las obras pueden alcanzar un sentido cómico que es en realidad lo que pasa con la obra Voluntad de poder de Dubuffet debido a la pose del modelo con cierto aire infantil donde no falta la ironía. Podemos comprobar que se ha producido una pérdida de humanidad en la obra de arte que se compensa con la fantasía y el humor con la que se representa a la persona.
Todo esto finalmente finaliza con un reconocimiento del arte africano, del arte primitivo y es evidente que también tuvo una gran influencia en la Internacional Situacionista ya que tenía el interés por el arte primitivo de niños y enfermos mentales como ejemplo de arte libre y original frente a las obras clásicas de la historia del arte. Cuando estudiamos la obra de Dubuffet y lo comparamos con lo que expresa Javier Maderuelo en su libro Medio Siglo de Arte. Últimas Tendencias, 1955- 2005 en el capítulo Variaciones de lo apocalíptico. Expresionismo abstracto e informalismo, también podemos apreciar que ha llegado a una conclusión similar a la de Valeriano Bozal, pues para Maderuelo la pintura se ha convertido en una experiencia
humana trágica, terrible, sobrecogedora, espeluznante y horrorosa, pues el artista o pintor está totalmente desilusionado por la situación existencial en la que se encuentra la humanidad en su totalidad. Casi todo artista esta obnubilado por una idea
existencialista y se refugia del mundo exterior en su propio mundo interior, esto quiere decir, que el artista abandona cualquier tipo de pensamiento o referencia anterior y se deja llevar por la improvisación rechazando reglas anteriores que eran bien aceptadas como podría ser la moderación en el acto del pintar. Como resultado el espectador con la obra de Dubuffet se encuentra un arte que rechaza la forma y se desprecian siglos y siglos de un orden artístico preestablecido cuyo objetivo era primordialmente la belleza evidentemente esto mismo también sucede con Penck.
Un arte lleno de manchas, arena, goteos de pintura, se hace especial hincapié a la textura y se entiende este arte como si
fuera un rito. Si le damos una vuelta de tuerca al arte de las obras de Dubuffet y de Penck, podríamos clasificarlas de monstruosas, como si la locura se hubiera adueñado de la pintura.
En Voluntad de poder observamos un hombrecillo que parece un monstruito con los genitales al aire en estado de schock y en T3 de Penck ya directamente observamos el esqueleto que podría ser de un monstruo deformado humanoide (no se sabe si bailando o con las manos en alto). En el capítulo El cuerpo anormal. Historia y antropología culturales de la deformidad, del libro Historia del cuerpo. Volumen 3. Las mutaciones de la mirada. El siglo XX, bajo la dirección de Alain Corbin; se realiza un estudio minucioso sobre la exhibición del cuerpo pero teniendo en cuenta el punto de vista de aquellas personas que en el siglo XIX y en el
siglo XX habían nacido con un aspecto monstruoso o con múltiples deformidades, es decir, persona con dos cabezas, la famosa mujer barbuda, el hombre elefante, la niña mono, la mujer sirena, personas con enanismo, etc… Muchas de estas personas eran
expuestas en las casas de fieras, en los circos y en las barracas de feria. De dicha exposición como si fuera un museo o una sala de exposiciones se obtenía un lucrativo beneficio económico pero a su vez se vulneraban los derechos y libertades
fundamentales de estos desgraciados seres humanos.
En nuestra historia contemporánea este tipo de forma de cultura visual (si se le puede denominar así) comenzó realmente
con la famosa instalación por parte del Museo de Barnum en Nueva York en 1840.
Nose conoció ningún tipo de cambio en cuanto a las condiciones de exposición de estos individuos hasta la Primera Guerra Mundial, después de la guerra la exposición de estas personas raras o monstruosas comienza a dar signos de decaimiento, para entrar en la década de 1930 en un agotamiento que llevará a su desaparición progresiva a partir de 1940 debido a la falta de venta de entradas, fue un hecho que se produjo casi a la vez en todo el mundo. En un inicio se produce un gran éxito con la exhibición de estas personas, pues lo monstruoso estaba de moda y era novedad para el público, después se produce el declive debido a la aparición de nuevos divertimentos como el cine, la televisión y por ultimo llegó la desaparición de las exhibiciones de monstruos humanos pues todo el mundo entendió que al fin y al cabo eran personas y ya no era tan divertido ver a seres humanos enjaulados o encadenados.
Nuestra conclusión es, si a partir de mediados del siglo XX comenzaron a desaparecer las exhibiciones de estos monstruos
humanos, ¿por qué los artistas surgidos después de la guerra y otros seguidores comienzan a realizar un arte deforme y monstruoso totalmente alejado de la belleza?
Evidentemente una intención de las obras de los artistas como Dubuffet y Penck que tratamos en el presente trabajo, aunque no sea la primordial es seguir dando a conocer al espectador que lo abyecto, lo horrendo, lo deforme, lo monstruoso, la enfermedad, la
locura, los desastres y las consecuencias nefastas de la guerra no se pueden esconder y por tanto la monstruosidad de nuevo se refleja en el arte por medio de los museos, las salas de exposiciones pues de nuevo se ha vuelto a un comportamiento primitivo dentrode un organismo primitivo. FIN.
Obra: Voluntad de poder. Artista: Jean Dubuffet. b. 1901, El Havre, Francia; d. 1985, París. Fecha de creación: enero de 1946. Movimiento: Art Brut. Arte primitivo. Medio: Óleo, guijarros, arena, vidrio y cuerda sobre lienzo. Dimensiones: 45 3/4 x 35 pulgadas
(116,2 x 88,9 cm). Línea de crédito: Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York. Adhesión: 74.2076. Derechos de autor © 2023 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/ADAGP, París. Tipo de obra de arte: Pintura-cuadro.
Obra: T3 (R), 1982. Autor: AR Penck. Pintura en emulsión sobre lienzo. Pintura polimérica sintética sobre lienzo. Medidas: 299,8 cm x 200,3 cm (imagen).
Movimiento: Neoexpresionismo. Hamburger Kunsthalle, cedido permanentemente por la Fundación Colecciones de Arte de Hamburgo, adquirido en 1984. Inv. No.: HK-5347. Colección: Galería del Presente. © SHK / Hamburger Kunsthalle / bpk Foto: Elke
Walford.
Bibliografía.
De HAL FOSTER, Yve-Alain Bois, Benjamin H. D. Buchloh, Rosalind E. Krauss. Arte desde 1900. Madrid. Ediciones Akal, S.A. 2006.
BOZAL, Valeriano. El tiempo del Estupor. La pintura europea tras la Segunda Guerra Mundial. Madrid. Ediciones Siruela, S.A. 2004.
MADERUELO, Javier. Medio Siglo de Arte. Últimas Tendencias, 1955-2005. Madrid. Abada Editores, S.L. 2006.
CORBIN, Alain, Courtine, Jean-Jacques, Vigarello, Georges. El cuerpo anormal. Historia y antropología culturales de la deformidad, del libro Historia del cuerpo. Volumen 3. Las mutaciones de la mirada. El siglo XX. Madrid. Santillana Ediciones Generales, S.L. Taurus. Historia. 2006.
LUCIE SMITH, Edward. Movimientos artísticos desde 1945. Barcelona. Ediciones Destino. Thames and Hudson. 1993.
Webgrafía.
https://www.guggenheim.org/artwork/1102
https://online-sammlung.hamburger-kunsthalle.de/de/objekt/HK-5347
https://www.macba.cat/es/actor/a-r-penck/
https://art-collection.europarl.europa.eu/es/artists/a-r-penck/
https://museucarmenthyssenandorra.ad/es/que-academia-julian/
Ensayo realizado con carácter educativo.
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El siglo XX un siglo muy largo en el arte y las crisis de las vanguardias exageradamente rompedoras, es un periodo artístico muy prolífico que ha acabado ahora en el siglo XXI con el arte para las masas (bueno o eso dicen…). Es decir, puedes encontrar arte en todo tipo de cosas.
A continuación una muestra del arte en el supermercado
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