Arte Barroco.

ELISABET NATIVIDAD GUTIÉRREZ ALCALÁ.

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Un ejemplo del estilo barroco en España es el Palacio Real, comenzando su construcción Felipe V y finalizado en 1755 por Carlos III.

Palacio Real. Madrid. España. Arquitectura. Estilo barroco.
Palacio Real. Madrid. España. Arquitectura. Estilo barroco combinado con estilo clasicista.
Jardines de Sabatini situados frente a la fachada norte del Palacio Real en Madrid. Estilo neoclásico.

Ensayo sobre las obras:

Guido Reni, San Miguel Arcángel, iglesia de los capuchinos, Roma, hacia 1636.
Caravaggio, Madonna de Loreto, Roma, 1604-1606.
Carracci, La Asunción de la Virgen, Museo del Prado, hacia 1587.


A modo de introducción pretendo tratar principalmente en el presente ensayo
y de forma muy humilde (relatar) todo lo que atañe a la belleza ideal y todo lo relativo
a la fealdad. Desde un punto de vista ideal o imaginario de la belleza en el arte, toda
aquella obra que tenga que ver con lo natural o sea representada de una forma muy
natural (reflejando los cánones de la naturaleza) se considera que es siempre lo mejor
y lo más maravilloso. Se pretende que toda obra realizada de una manera natural
debe ser reconocida como una obra de arte elegantemente acabada.
De igual manera y de una forma muy general, para la representación de la
fealdad todo aquello que es representado de una forma similar a los hombres sería
más grotesco, real y por tanto no tan bello.

Pero hay que destacar que el significado y el sentir de la belleza/fealdad es
tremendamente subjetivo para el artista y lo que se dirime es la belleza natural como
superior a la naturaleza con sus diferentes matices.
Como exposición y análisis del Ideale del bello a continuación procedo a
desarrollar mi argumentario en base a las tres magnificas obras propuestas.
En cuanto al San Miguel Arcángel de Guido Reni, óleo sobre lienzo,
medidas 293 × 202 cm, se trata en parte de una composición refinada y sensual
(proporciones del cuerpo prácticamente perfectas y los músculos bien definidos).
San Miguel Arcángel que es el personaje principal ataca a un demonio o bestia
en forma de humano viejo, desnudo con cara maquiavélica y con un semblante casi
dionisiaco y repugnante que representa a la fealdad en contra de la belleza.
Pero a pesar de lo aborrecible que pudiere ser el personaje del demonio a su
vez es representado con una musculatura prominente, sexual casi perfecta e incluso
hasta agradable para la vista. Podemos apreciar que San Miguel ataca al
demonio/hombre sin perder la compostura, diríamos hasta de una forma muy
tranquila y magnánima.
En la obra de la Madonna de Loreto Capilla Cavalletti, Iglesia de San Agustín,
Roma. Óleo sobre lienzo (260 × 150 cm) podemos apreciar el esplendor de Miguel
Ángel Merisi de Caravaggio, fue el pintor más repudiado que tuvo que soportar todo
tipo de desprecios y acusaciones de falta de debido decoro en gran parte de sus
cuadros religiosos, ya que violaba constantemente todos los preceptos de lo religioso.
Para sus representaciones se servía de personas reales (gente de la calle) que eran los
modelos para sus santos, en definitiva, la copia del natural.
El naturalismo y realismo de Caravaggio era tremendo e increíblemente la obra
no fue retirada del altar de la iglesia a pesar de la indecencia de los personajes
retratados. La obra fue encargada en base a la leyenda de la Casa de Nazareth donde
residían San José y la Virgen, de forma milagrosa la Casa fue trasladada por unos
ángeles a la localidad italiana de Loreto.
Aunque parezca mentira Caravaggio no representó el traslado de la Casa sino
que pintó a la Virgen saliendo de la puerta de entrada de una casa con los muros
desconchados, en mal estado, mostrando al niño a unos peregrinos, como si fuera una
mujer cualquiera, que queda sorprendida en sus labores por personas desconocidas y
que de forma inoportuna han llamado a su puerta.
Los expertos de la época criticaron de la obra la falta de dignidad en los
peregrinos porque tenían los pies sucios y fangosos. Aprecian que la mujer orante
llevaba un gorro, haraposo, caído y sucio. Además, se cree que una prostituta llamada

“Lena” y supuestamente amante del pintor había servido de modelo para pintar a la
Virgen.
En cuanto a la obra de la Asunción de la Virgen de Carracci, óleo sobre lienzo,
130 x 97 cm, según la leyenda, después de morir la Virgen fue llevada al cielo por unos
ángeles en presencia de los apóstoles.
En la Asunción de la Virgen lo que se observa ya no es tan bello (como en la
fisonomía de la figura de San Miguel Arcángel de Guido Reni o en la sensualidad real
de la Madonna de Loreto en cuanto a los personajes se refiere).
En toda la pintura se aprecian ciertas notas de naturalismo, sobre todo en la
caracterización de los apóstoles y de la Virgen.
Carracci consiguió así representar un momento realmente milagroso con una
naturalidad casi inédita hasta entonces pues nunca se había representado así.
A su vez, Carracci también quiso acentuar el dramatismo de la escena al
representar el ascenso de la Virgen en escorzo y totalmente de perfil y no de frente
como era costumbre en la época. El pintor convierte a la Virgen María en protagonista
de su propia Ascensión.
() Sobre todo es muy importante destacar la función de la iluminación de las figuras mediante el reflejo de la luz natural de forma indirecta pintada en el rango medio hacia abajo profundizando en la oscuridad. Los efectos de toda esta iluminación son para reducir el número de cambios del claro oscuro en la figura o figuras, las cuales, tal y como podemos ver afecta a nuestra percepción de la figura representada en el espacio afectando en nuestra forma de enfocar y de localizar la propia figura en la sombra de una manera cuantificable y consistente. ( Ver bibliografía consultada).
Hay que fijarse mucho, pero lo que sí es verdaderamente bello en la Asunción
de la Virgen de Carracci es que tanto la Virgen como algunos de los apóstoles tienen la
misma mirada y la misma forma de dibujo de los ojos.
Sobre todo observar el ojo del apóstol que está situado recostado en el suelo
en la parte central de la obra y que está mirando directamente a la Virgen en su
“Ascensión” de una forma muy amable casi entrañable.
Para Carracci y Caravaggio lo fundamental era dar la espalda al manierismo
para buscar un lenguaje más elocuente, claro y directo siendo capaces de plasmar la
realidad natural y de hacer bullir las emociones más profundas y se puede apreciar
ampliamente en las dos obras de arte propuestas.

En cambio, en el San Miguel Arcángel de Guido Reni se puede apreciar una
representación más academicista, con una composición más equilibrada, con colores
sutiles e insinuantes transparencias que puede parecer no tan natural intentando
buscar un ideal de perfección.
Es curioso apreciar que en las tres obras propuestas se refleja a la vez lo
auténticamente bello (independientemente de si proviene de la belleza como natural o
si se refiere a un ideal de belleza imaginario) y por supuesto también se representa la
fealdad.
Pero es más curioso todavía observar que en las tres obras se puede apreciar
que de forma sublime todos los personajes están representados de perfil.
Para finalizar y como conclusión coincido con Battista Alberti que en las cosas
no sólo se debe amar o reflejar la semejanza, sino ante todo la belleza y que se deben
elegir entre los cuerpos hermosos las partes más elevadas.
Pero también en base a lo estipulado por Rafael de Urbino “Para pintar una
mujer hermosa necesitaría ver más mujeres hermosas, pero como las mujeres
hermosas escasean yo me sirvo de una cierta idea que me viene a la mente”.
Habría que preguntarse… ¿si tuviéramos que representar a alguien o algo no
tan bello deberíamos elegir entre los cuerpos feos las partes más horribles o
mediocres?, o bien… ¿para pintar una mujer fea necesitaría ver más mujeres feas, pero
como las mujeres muy feas escasean yo me sirvo de una cierta idea que me viene a la
mente?.
¡Es solo el ensayo de una reflexión del Ideale del bello!.

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