Los discursos del arte contemporáneo.

ELISABET NATIVIDAD GUTIÉRREZ ALCALÁ.

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Título: Quizás lo kitsch no fue tan malo, quizás, quizás, quizás…
Para empezar tomando como referencia el ensayo de Clement Greenberg sobre “La Pintura Moderna” y teniendo en cuenta que se le considera el crítico de arte más importante de la segunda mitad del siglo XX y que abanderó el movimiento expresionista abstracto; considero que Greenberg criticó exageradamente lo Kitsch.
Pues recordando a “Los Panchos” (dirían algunos, música para las masas, pues divina sea, aunque sea para las masas) deberíamos reflexionar que al final lo kitsch no fue tan malo (en cuanto a la economía, la sociedad y otras formas de ver el arte).
Alguien le tendría que haber dicho a Clement Greenberg por supuesto que: Estás perdiendo el tiempo pensando, pensando… (Como dice la canción).

¿Quizás con el surgimiento de lo Kitsch, ya se estaba muriendo el Arte o ya llevaba tiempo muerto? Quizás.
Greenberg seguía centrado en su vanguardia con en el estudio de Picasso, Braque, Mondrian, Miró, Kandisky, Brancusi, Klee, Matisse y Cezanne, obsesionado con el ordenamiento de los espacios, las superficies, las formas, colores y el rechazo de todo lo que no se encontrara relacionado con estos temas, pero es curioso que aparece alternativamente lo kitsch, un conglomerado de arte popular, comercial, industrial a finales del siglo XIX y es considerado como algo espurio según Greenberg que ha convencido a toda la sociedad pero que ha sido considerado como arte malo.

La palabra Kitsch era empleada para los objetos de mal gusto (de origen etimológico alemán), es decir, cuando la gente compraba cosas masificadas o de un cierto desorden de gusto, es un pensamiento sobre el mal gusto, por ejemplo, desde los enanos típicos de jardín (que por cierto me regalaron uno con los colores del atlético de Madrid, pero sigue en el jardín, ahora descolorido, encima de un macetero, soy incapaz de tirarlo, pues al fin y al cabo es arte), a las reproducciones de obras maestras, un almanaque con la Gioconda situado en la cocina, pero no se preocupen que actualmente ya están plenamente autorizados a poseerlas sin pecar en destrozar el arte. Federico Klemm (conocido como el Andy Warhol argentino) explica a la perfección lo que siento.

Greenberg explica que “Si la vanguardia imita los procesos del arte, el kitsch, imita sus efectos” y por lo tanto la cultura popular se ha tenido que conformar con lo kitsch, utilizado también desde una perspectiva política (a modo de engaño).
Con lo político Chirico fue denigrado por Mussolini como tantos otros, pintores rusos como Brodsky fueron alzados por Lenin.
Greenberg se preocupa por la crisis de la pintura de caballete en segundo lugar, considerada como producto occidental, y sigue centrado en el estudio de la caja escénica, con el estudio exhaustivo de la pintura moderna ahora con Monet, Pisarro,
Van Gogh, Gauguin, Mondrian. Se produce una crítica a la falta de forma, la pintura se sale del caballete cuando Greenberg descubre a Pollock, ¿Dónde está el caballete? ¿Dónde está la pared? ¿Ahora se pinta en el suelo? ¿En serio?

A partir de ahora con Pollock es cuando se rompe el arte y Greenberg se dio cuenta de que todo había cambiado. Y Bambino expresa con la canción “La pared” lo que siento cuando observo las pinturas de Pollock.
Ahí está la pared
Ahí está la pared que separa tu vida y la mía
Que no deja que nos acerquemos
Esa maldita pared
Yo la voy, y yo la voy a romper cualquier día
Ya lo verás mi querer
Tú volverás ese día

Y es aquí cuando Greenberg se desorienta y confirma que la abundancia de tendencias discordantes que constituyen el arte moderno suele interpretarse como un síntoma de su decadencia, mezcla de surrealismo, Nueva Objetividad, Neorromanticismo, Realismo mágico, impresionismo, postimpresionismo, cubismo, profundidad o falta de profundidad en las pinturas, etc… Llegamos a la pintura del tipo americano (expresionismo abstracto) Kooning, Gorky, Motherwell, Gottlieb, Hofmann (pintar libremente fuera de Europa).

Kline, Pollock, “Pintura all-over”, se pinta en enormes lienzos, se reduce la paleta cromática, Tobey con sus motivos uniformes, Still (introduce los efectos de la pintura buckeye), Barnett Newmann (que pinta franjas de color) sustituye a Pollock, Rothko que es menos agresivo según Greenberg (son acusados de decorativos).

Se eliminan las limitaciones que constituyen el medio de la pintura, la superficie plana, la forma del soporte, las propiedades del pigmento (eran ya consideradas negativas todo tipo de limitaciones, pero no era nada nuevo). Bueno y entonces nos encontramos con la pintura moderna; se espera que se produzca un arte tan diferente como el de un periodo anterior, libre de reglas, se espera una ruptura de la continuidad, pero Greenberg se contradice cuando dice que el arte es continuidad, ¿continuidad de
qué? Por desgracia Clement Greenberg falleció en 1994. Después de Greenberg si tuviéramos que realizar una crítica de arte es imposible encasillar el arte en algo exclusivamente físico y material o de tratar el arte de la forma tradicional academicista.

Yo creo más bien que el arte evoluciona como la sociedad, de nada vale, encasillar una obra como si “esto es arte” o no lo es. Hemos llegado a un punto en el cual el arte no puede ser encasillado en un lienzo, es imposible, se han traspasado todo tipo de fronteras, espacios grandes o pequeños y nos faltaría conocer las críticas de Greenberg a ese tipo de arte sin fronteras, sin formas definidas, arte conceptual, arte de contexto, arte político, museos al aire libre, geoparques, etc…a día de hoy, aunque él ya atisbaba la muerte del Arte como se conocía en el siglo XX partiendo del materialismo Kitsch.

Nos acercamos al concepto de minimalismo. En este estado, la pintura, la escultura, en los límites de sus propios medios, elaboran un tipo de lenguaje que solo puede entenderse para aquellos que se interesen en conocer su evolución.

Y ya con Duchamp, ¿qué es arte, un urinario? Pues sí. La discípula de Greenberg, Rosalind Kraus confirma que los fundamentos del movimiento moderno estaban obstaculizados por lo caótico, lo libidinoso, lo irracional, etc…. El arte va evolucionando y nos encontramos con las acciones, es decir, no todo el arte sucede en el interior de los museos, por ejemplo, Land Art, instalaciones, performance, happening, ya nos encontramos con temas efímeros.

El espectador experimenta con la obra de arte, en VISIBLE, la propia obra de arte aparece y desaparece al antojo del espectador.

Y para finalizar mí ensayo crítico:
No soy italiana, no tengo dinero y tampoco puedo comprar un Mondrian, casi todo lo que tengo en casa es Kitsch. ¿En serio se ha acabado el arte?

Bibliografía.

GREENBERG, Clement: La Pintura Moderna y otros ensayos. Edición de Fèlix Fanés. Madrid. Ediciones Siruela, S.A. 2006.

Webgrafía.

https://youtu.be/3S8kHUHsvyg?si=Dd8aDZIgk__6c_lS Federico Klemm explica brevemente que es el Kitsch.

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TIEMPOS CONVULSOS
Aunque no lo parezca, tanto los artistas neoclásicos (s. XIX) como los artistas del expresionismo abstracto (s. XX) fueron víctimas de tiempos históricos diferentes muy convulsos y difíciles.
Si analizamos a los artistas neoclásicos, Jean-Germain Drouais (gran retratista y pintor histórico que falleció en Roma), Pierre Peyron (pintor de Luis XVI y eclipsado por David), Elisabeth-Louise Vigee Lebrun (gran retratista de la casa real entre otros y
amiga íntima de David, realizaba una pintura calificada como de inocente candidez, fue muy criticada, cuando explotó la Revolución abandonó Francia), Adelaide Labille- Guiard (era rival de Elisabeth-Louise, también retratista de la realeza, pero a su vez fue muy calumniada), Jean-Germain Drouais (reivindicaba su independencia a la hora de pintar según las normas asfixiantes de la Academia) François Gérard (pintor de la monarquía, protegido de David), Jean-Baptiste Regnault (pintor académico y muy
purista), Anne Louis Girodet (pintor rebelde, añade elementos de erotismos a sus pinturas), Fulchran-Jean Harriet (pintor académico, gran emocionalidad en sus obras),
Pierre-Narcisse Guérin (no estudió con David, se caracterizó por el gran dramatismo de los temas que eran resueltos con composiciones violentas y muy expresivas en gestos y actitudes de los personajes), Philippe-Auguste Hennequin (retratista histórico, pintor marginado, pintura indisciplinada, alumno de David, exilio a Bélgica con la restauración borbónica), Constance Charpentier (pintora francesa, especialización en escenas de género y retratos, principalmente de niños y mujeres, sentimental y moralizante), Jean Broc (alumno de David, asociado a temas homoeróticos, sensuales), Jean-Auguste- Dominique Ingres (visión ecléctica, conocido por su estilo trovadoresco y exótico) y por supuesto Jacques Louis David (no necesita presentación) entre otros muchos otros, todos ellos en mayor o menor medida fueron sumisos sirvientes artistas al servicio de la monarquía, el Estado, la iglesia, el gobierno durante de la Revolución Francesa o Napoleón y desde luego su fama también dependía de los Salones.

Todos estos artistas tuvieron que representar lo que se les solicitaba, por ejemplo, valores como el patriotismo, la virtud y una gran devoción por la nación, pero a su vez también buscaban reivindicar su libertad e identidad como artistas. El gran punto álgido de los pintores neoclásicos se inició con la Revolución Francesa. Pero desde un punto de vista histórico, ¿cómo el neoclasicismo fue tan importante para la representación artística de aquella época en busca de valores clásicos y patriotismo?

Todo comenzó con el apoyo de Francia a los norteamericanos durante la guerra de su independencia que fue un éxito total, pero tuvo un gran coste económico para la maltrecha maquinaria financiera del antiguo régimen. Solo se podían ajustar las cuentas
aumentando los impuestos a las clases privilegiadas (clero y nobleza) pero… ce n’est pas possible. Por tanto el Rey tuvo que recurrir al pueblo. En 1788 aceptó convocar los Estados Generales que estaban formados al igual que el Parlamento inglés por
representantes de la aristocracia y del pueblo, más un estado independiente que era el clero. Pero no era una estructura adecuada y se impuso en el país una legislatura única con poder para aprobar las medidas que los ministros del rey juzgasen necesarias.
Cuando al tercer estado (burguesía y pueblo llano) se les prohibió el acceso al salón que se utilizaba en Versalles, se trasladaron a la Sala del juego de la Pelota, en la terraza de las Tullerias. El 14 de julio de 1789 las masas asaltaron la Bastilla, la fortaleza real que
para los parisinos encarnaba todo lo que odiaban del antiguo régimen. Se sustituyó la Asamblea por la Convención Nacional, se eliminó a la monarquía y se decretó que este acontecimiento significaba el año Primero de la era revolucionaria. Posteriormente el
Rey Luis XVI fue guillotinado. Los jacobinos se impusieron, Danton fue desplazado por el temido Robespierre, y mientras tanto la guillotina trabajaba a marchas forzadas para todo aquel que se opusiera al Terror. También Robespierre fue guillotinado.

En 1795 después de una batalla campal aparece en escena Napoleón Bonaparte, tras sus exitosas campañas bélicas se convirtió en emperador, pero Napoleón también cayó porque nada es eterno y de nuevo regresó la monarquía restaurando la dinastía
borbónica en el trono francés tras la renuncia de Napoleón, a partir de ahora, reinaría Luis XVIII y después Carlos X de Francia, pero también cayó, pero eso es otra historia.
Todos estos grandes acontecimientos y otros retratos fueron representados por los artistas neoclásicos, muchos de ellos estaban encantados con la idea de representar la situación del momento y otros artistas se veían forzados a realizar determinados
encargos debido a los acontecimientos, al fin y al cabo un artista tenía que sobrevivir.
En aquellos tiempos convulsos y difíciles lo cotidiano era que los artistas realizaran obras de arte para ubicarlas en los grandes edificios y administraciones, otras obras de arte eran encomiendas de la monarquía, la nobleza o el clero, (en menor medida influyó el mecenazgo, aunque las becas eran de vital importancia para poder estudiar en la Academia Francesa de Roma) y otras muchas obras eran sufragadas gracias a la subvención estatal.
A grandes rasgos el neoclasicismo surgió en parte como reacción al estilo rococó decorativo que había dominado el arte europeo desde la década de 1720 en adelante, pero lo verdaderamente influyente fue el nuevo interés y el redescubrimiento de la
antigüedad clásica del siglo XVIII pero desde un punto de vista más científico.
Después de la caída de la monarquía se generó una nueva forma de representación de iconografía realizando especial hincapié en los nuevos mártires revolucionarios de David, como por ejemplo, Marat, el olor a muerte y su presencia está representada de
una forma solemne en casi todas las obras realizadas a partir de la Revolución Francesa, pasando a ser todos estos cuadros fiel testimonio de lo que pasó. También se prestaba especial atención a representar obras de complejas composiciones narrativas
sobre temas clásicos que suponía para el pintor una mejor posición social y recompensas por parte del Estado independientemente de quien gobernara.

Cierto es que el artista neoclásico no disfrutaba de total libertad a la hora de realizar sus pinturas, ya que todo estaba muy tasado bajo las normas academicistas debido a un sistema de reglamentación de la praxis artística que permitía una homogeneización de los criterios estilísticos, y la difusión del nuevo clasicismo. Liberté, égalité, fraternité que se convirtió en un lema oficial (menuda ironía desde el punto de vista artístico).
En pocas palabras, el arte neoclásico estuvo al servicio del poder y de la política. Pero la historia siempre se repite, aunque la pintura neoclásica en principio nada tenga que ver con la pintura expresionista abstracta norteamericana, sí que tienen ambas un nexo de unión sobre todo político, pues los expresionistas abstractos también fueron utilizados por el poder y la política.

Fue en torno a la década de los cuarenta del siglo XX cuando en la ciudad de Nueva York (EEUU) aparecieron los nombres de aquellos artistas que pronto se erigirían como los principales representantes del movimiento
expresionismo abstracto (que no era figurativo) entre ellos: Hans Hofmann (influenciado por el uso del color por parte de Matisse y el desplazamiento de la forma por parte del cubismo, fue apoyado por Clement Greenberg, pintura de “empujar y tirar), Arshile Gorky (su fuente de inspiración estaba siempre basada en experiencias vividas en su tierra natal, figuras distorsionadas y amenazantes, se suicidó), Willem de Kooning (pintura basada en el gesto y el color, fue alcohólico, orientado hacia la no
figuración, padeció alzheimer, fue declarado incapaz y murió de cáncer de pulmón), Franz Kline (pintor, action painting, redujo su paleta al blanco y negro puro, estilo simple, espontaneo e intenso), Adolf Gottlieb (pintor, escultor, el espectador observa
pinturas que estallan, con las formas y colores abstractos expresó niveles profundos y subconscientes de pensamiento y emoción), Robert Motherwell (realiza collage, así como grandes series, pinturas con oscuridad, atmosfera sofocante que parece
impenetrable), Mark Tobey (curiosamente no renuncia a la pintura de caballete, prefiere el movimiento agitado de la mente y no el del cuerpo, utiliza principalmente témperas sobre papel, pinturas realizadas a base de líneas y de signos, predominio del color),
Barnett Newman (nunca quiso pertenecer a un grupo establecido o a un movimiento de pintura identificable, sentía la necesidad de no representar imágenes concretas, especial predilección por el vacío), Mark Rothko (prestaba especial atención al color, al
equilibrio, la profundidad, la forma, la escala, la composición, representaba formas rectangulares con finas capas de color flotante, gran luminosidad, pintura pura de grandes dimensiones), Clyfford Still (pintor autodidacta, pintaba composiciones a base de grandes planos, interés por la verticalidad y las manchas de colores, al final de su vida rehusó que sus obras fueran vendidas o expuestas volviéndose muy crítico con el mundo del arte) y, por supuesto, el gran Jackson Pollock.

Todos fueron influenciados en menor o mayor medida por la Gran Depresión, la I Guerra Mundial, la II Guerra Mundial y la Guerra Fría que abarcó un periodo que se inició en 1945 y que finalizó en 1991 y que marcó a todos los pintores expresionistas abstractos en su madurez, ya que muchos fueron militantes comunistas (y estaba verdaderamente mal visto).

Para entrar en materia, la expresión “Guerra Fría” en realidad resume toda la hostilidad cercana al enfrentamiento real que ha caracterizado las relaciones del mundo este-oeste, pero en especial las de las superpotencias, es decir, Unión Soviética y los Estados Unidos desde la II Guerra Mundial, (comunismo frente a democracia-capitalismo).

La propaganda, el espionaje y la infiltración fueron armas generales de la guerra fría, así como el armamento nuclear y convencional en continuo aumento, se trataba de una gran carrera interminable en la que cada parte pretendía impedir que el otro lograra una ventaja clara y es evidente que la sombra alargada del fantasma de la Guerra Fría sigue pesando todavía.
Desde este punto de vista político e histórico los nuevos artistas americanos expresionistas abstractos eran tachados de comunistas y de espías, en general, cualquier ciudadano americano podía ser acusado de espionaje, de ser comunista o desleal a la patria americana o simplemente un traidor, de una forma muy parecida a la acontecida durante la Revolución Francesa, el Terror y periodos posteriores.

Todos debemos recordar el caso del matrimonio Rosenberg (Ethel y Julius Rosenberg) de nacionalidad norteamericana que fueron acusados de espionaje y fueron los primeros civiles en ser condenados por traición a la patria, electrocutados el 19 de junio de 1953 en la prisión de Sing Sing. (Poca broma). Se realizó una auténtica “caza de brujas” que supuso la persecución de todo aquella persona que fuera sospechosa de simpatizar con el comunismo o con políticas de izquierdas, como los jóvenes pintores expresionistas abstractos (que ahora tratamos), contra los que se llevó a cabo una agresiva campaña, alegando que su arte abstracto no era más que un instrumento de los soviéticos para manchar la impecable y buena imagen del pueblo norteamericano.
Por el contrario, para un gran sector de la rica élite intelectual del país norteamericano, el Expresionismo Abstracto representaba el triunfo de la cultura libre, se buscaba libertad sobre la cultura totalitaria y totalmente política imperante, pues este
nuevo movimiento se basaba en la libertad absoluta del artista. Debido a este motivo, la Agencia Central de Inteligencia americana (CIA) llevó a cabo un importante, sutil e inteligente trabajo, convirtiendo a estos nuevos artistas en una verdadera arma de propaganda de la cultura originaria estadounidense contra la soviética, subvencionando el arte expresionista, por ejemplo, en la ciudad de Nueva York, el Museum of Modern Art, presidido por Nelson Rockefeller, funcionó como una herramienta más al servicio de esta causa y del gobierno norteamericano, promoviendo el joven arte americano a través de la adquisición de gran cantidad de obras y de un programa de exposiciones por todo el mundo.
Tanto La Muerte de Marat de Jacques Louis David como Jackson Pollock painting representan a la perfección todo lo expuesto anteriormente, ambas obras de arte expresan la búsqueda de esa ansiada libertad a la hora de pintar aunque sea en diferentes
contextos históricos y políticos (sin encorsetamientos). Marat fue representado de una forma muy ambivalente y también arriesgada, David pinta al héroe asesinado como si fuera prácticamente un ángel, pero además se puede observar simbólicamente elementos de violencia como la sangre, el cuchillo, el cuerpo desnudo asesinado mientras tomaba un baño medicinal y Jackson Pollock es fotografiado pintando de una forma salvaje en el suelo utilizando el cuerpo como pincel en vez de la mente, también una forma arriesgada de pintar que no a todo el mundo agradó, para ambos artistas es necesario una nueva forma de mirar el arte. FIN.

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